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Introducción al clown

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Antxon Ordóñez
Taller 1º turno

Este taller consiste en un laboratorio práctico sobre el juego, las técnicas de improvisación cómica y la interacción con el público. A esto se añade en la medida de lo posible nociones para la creación de personajes cómicos, que se realiza fundamentalmente a través de la técnica del teatro físico y el juego.

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Categoría:

¿A quién va dirigido?

Es apto para todos los niveles de experiencia, mientras haya disponibilidad y ganas de divertirse y jugar.
Amateur con experiencia.

Descripción

Introducción al clown es para muchas el último trabajo que ha de afrontar una persona que quiera dedicarse a actuar y, para otras, el primero. Tanto como base imprescindible o exclusiva guinda final, en ambos se le otorga a la técnica del clown una gran importancia, ya que aporta elementos cruciales para estar en escena de una forma completa y comunicativa. El taller está enfocado a alcanzar este doble objetivo, el de aportar la base consistente de teatro físico e improvisación cómica necesaria para el trabajo de clown, y el de aportar nuevas técnicas y escrituras de escena, a aquellos que pretendan trabajar sus técnicas actorales desde un nuevo punto de vista. En ambos casos es necesario algún conocimiento de lo que es estar en escena o una gran voluntad de jugar y aprender cosas nuevas porque, aunque el aprendizaje que se puede realizar en el curso es grande, y la risa marca siempre el desarrollo de las clases, se trata de un proceso de formación intenso.

El taller consiste en un laboratorio práctico sobre el juego, las técnicas de improvisación cómica y la interacción con el público. A esto se añade en la medida de lo posible nociones para la creación de personajes cómicos, que se realiza fundamentalmente a través de la técnica del teatro físico y el juego: se trata de crear cuerpos vivos, una voz y un universo léxico y mental en movimiento, de forma que puedan improvisar y tener una relación fluida con el público y con otros personajes.

Como base introductoria es necesario un proceso de limpieza del movimiento y de la mente del actor, que permita avanzar en la creación de forma ordenada y eficaz. El trabajo de inmovilidad y posteriormente las nociones de máscara neutra se enfocan a alcanzar un estado de concentración máxima y conciencia del cuerpo que permita acercarse a la comicidad de forma instintiva pero también consciente y precisa. El entrenamiento consiste en la búsqueda, obtención y afianzamiento de herramientas que permitan manejar el impulso, el ritmo y las estrategias cómicas frente al conflicto en escena. El juego y el cuerpo del comediante la base del taller son el juego y la risa, y ese será el espíritu de todos ejercicios físicos que se hagan: movilizar el cuerpo y la mente al servicio de la diversión del actor y del público.

Liberar la expresión de las emociones a través del movimiento y realizar ejercicios que nos permitan controlar esta emoción al servicio de la comedia. Esto se afronta desde dos ámbitos diferentes, que a menudo se entremezclan; las técnicas de descomposición y análisis de movimiento, y los juegos, centrados en el desarrollo del placer de estar en escena. Lo primero pretende encaminar la creación y aportar un enfoque técnico del trabajo corporal. Lo segundo tiene como fin el entrenamiento de una lógica teatral, a través de la búsqueda de objetivos y la confrontación con los límites físicos y mentales de cada uno, introduciendo la derrota o el ridículo frente a los demás como algo fluido y ligero, propio del trabajo del cómico. Ambos trabajos son físicos, y convergen en dos conceptos básicos, el control de la respiración como herramienta de desbloqueo del cuerpo y la aplicación de la imaginación del actor como herramienta de creación escénica.

El actor, la actriz, la horizontalidad y el público La interacción con el público y la escucha son una constante, tanto a través de la improvisación, siempre enfocada a comunicar con la audiencia, como a la hora de dar y recibir apuntes y críticas, que se harán guiadas por el profesor pero de forma colectiva. Es por esto que, a pesar de estar el curso limitado a grupos reducidos (no más de doce personas), al tener un componente muy importante de trabajo individual, el aprendizaje se realiza también a través del análisis del trabajo ajeno.

Las improvisaciones individuales se realizan, en general, sin cambiar de alumno hasta que la persona consigue avanzar y desbloquear. Este método de trabajo conlleva un esfuerzo constante por ser público activo, pero el fin es que cada participante termine el proceso tanto con material escrito como con un avance a nivel técnico y actoral, La escritura cómica una vez alcanzado el esbozo del personaje se abre la posibilidad de abordar la escritura de escenas. Al ser un taller breve, tan solo se esbozará, pero si surge la posibilidad, se fomentará el desarrollo del universo personal del l persona que actúa como autora, tanto a través del aporte de temas, textos o ideas concretas, como en las improvisaciones abiertas, dónde se propone y busca en escena, con la guía externa del profesor y las aportaciones de sus compañeras.

Cada curso es un proceso que se construye de forma colectiva, dejando mucho espacio a las sugerencias de los participantes, lo que hace que de un pequeño detalle que se encuentre el primer día acabe surgiendo una proposición de escena, poniendo en conexión personajes, escenas, textos, vestuarios, o no..

El proceso de escritura teatral se desarrolla a través de la búsqueda de un equilibrio, entre lo que “funciona” a nivel cómico y lo que mentalmente hemos decidido trabajar como guión. Tan importante es saber abandonar una idea que no funciona en pos de una ocurrencia aparentemente estúpida pero eficaz, como saber encontrar el modo inteligente de defender un proyecto a muerte si es lo que de verdad deseamos contar.

De lo que se trata en un principio es únicamente de adquirir las habilidades necesarias para hacer reír al público a través de un personaje espontáneo, que entable un proceso de comunicación cara a cara con éste. Sin embargo, el trabajo pasa a menudo por expresar los estados, las emociones y las pasiones del personaje, lo que lleva al actor a encontrarse con los propios límites y bloqueos. La búsqueda de la neutralidad en escena, utilizada como herramienta en la comprensión de lo esencial, nos permite identificar las unidades mínimas del lenguaje teatral y limpiar las propuestas del actor.

Desde el primer momento esto nos lleva a identificar los gestos parásitos que cada persona tiene, las características que inevitablemente se alejan de la neutralidad, que serían como lapsus del gesto, movimientos y sonidos o palabras que se escapan del control racional del actor, que poco a poco muestran los auténticos impulsos de la persona que interpreta. Y ese es precisamente uno de los pilares del taller, no reprimir ese “error” sino identificarlo y explotarlo, a través de un proceso de análisis permita entrar en cada universo personal y construir personajes que jueguen con el público desde un lugar muy cercano al que los representa.

Bio

Antxon Ordóñez

Antxon Ordóñez Bergareche es un tipo con gafas que se formó en la escuela Lecoq en París, tras varios años de intensa práctica en un principio amateur y después profesional, y obtener su diplomatura en Filología Clásica.

Desde entonces ha combinado sus investigaciones teatrales con la práctica como actor, director y formador teatral. El presente curso es fruto tanto de su larga experiencia, como de su colaboración con otros profesores y escuelas.

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